هنر ایتالیایی

پس از سقوط امپراتوری روم غربی، امپراتوری روم شرقی—که بعدها به نام امپراتوری بیزانس شناخته شد—به مدت نزدیک به هزار سال با پایتخت در قسطنطنیه ادامه حیات داد.^[۹] هنرمندان بیزانسی اغلب در پروژه‌های هنری بزرگ در سراسر ایتالیا به کار گرفته می‌شدند و تأثیر زیبایی‌شناسی بیزانسی منجر به توسعه سبک Italo-Byzantine شد که به شکل‌های مختلف تا قرن ۱۴ ادامه یافت.

سبک ایتالو-بیزانسی معمولاً به نقاشی‌های مذهبی اطلاق می‌شود که از نمادشناسی استاندارد بیزانسی تقلید می‌کنند اما توسط هنرمندان ایتالیایی بدون آموزش رسمی در تکنیک‌های بیزانسی اجرا شده‌اند. این آثار اغلب شامل موضوعاتی مانند مدونا هستند که روی پنل‌های زمینۀ طلایی ترسیم شده‌اند. این سبک، قالب نقاشی‌های کوچک و قابل حمل را به اروپای غربی معرفی کرد و نقش مرکزی در اعمال عبادی دوره داشت.

این سبک تا اواخر قرن ۱۳ بر نقاشی ایتالیا مسلط بود، زمانی که هنرمندانی مانند چیمابوئه و جوتو شروع به ایجاد رویکردی طبیعی‌تر و احساسی‌تر کردند، به‌ویژه در فلورانس. با این حال، نقاشی ایتالو-بیزانسی تا قرن ۱۵ و فراتر از آن در برخی مناطق و زمینه‌های مذهبی تولید می‌شد.^[۱۰]

دویچنتو واژه‌ای ایتالیایی است که به قرن ۱۳ اشاره دارد، دوره‌ای شکل‌دهنده در تاریخ فرهنگی و هنری ایتالیا. در این زمان، معماری گوتیک که منشأ آن در شمال اروپا بود، به‌ویژه در مناطق شمالی وارد ایتالیا شد. با این حال، گوتیک ایتالیایی ویژگی‌های محلی متمایزی پیدا کرد که اغلب مهار شده و کمتر بلندپروازانه نسبت به نمونه‌های شمالی بود.

دو سفارش مذهبی بزرگ—دومینیکن‌ها، تأسیس شده توسط دومینیک، و فرانسیسکن‌ها، تأسیس شده توسط فرانسیس آسیزی—در این دوره محبوبیت و حمایت مالی گسترده‌ای یافتند. این سفارشات مناجات‌گر پروژه‌های گسترده ساخت کلیسا را بر عهده داشتند و اغلب نسخه‌های ساده‌شده معماری گوتیک را متناسب با مأموریت‌های وعظ و سوگند به فقر خود اتخاذ می‌کردند.

استفاده از چرخه‌های فرسکو در مقیاس بزرگ در دویچنتو رایج شد، زیرا فرسکو هم مقرون به صرفه بود و هم برای انتقال روایت‌های مذهبی به جماعت عمدتاً بی‌سواد مفید بود. نمونه برجسته، باسیلیکای سن فرانچسکو د آسیزی است، سازه‌ای پیچیده شامل دو کلیسای روی‌هم ساخته شده بر روی تپه که بلافاصله پس از قدیسانه شدن فرانسیس در ۱۲۲۸ آغاز شد. این باسیلیکا با فرسکوهایی از بسیاری از نقاشان برجسته دوره، از جمله چیمابوئه، جوتو، سیمونه مارتینی، پیترو لورنزتی و احتمالاً پیترو کاوالینی تزئین شد.

این تحولات هنری زمینه‌ساز نوآوری‌های دروسنتو و سپس رنسانس ایتالیا شد.

دویچنتو واژه‌ای ایتالیایی است که به قرن ۱۴ اشاره دارد، دوره‌ای کلیدی در توسعه فرهنگ و هنر ایتالیا. این دوره اغلب به‌عنوان آغاز رنسانس ایتالیا، یا به‌طور خاص، نقاشی رنسانس ایتالیا در نظر گرفته می‌شود، مرحله‌ای گذار که زمینه نوآوری‌های قرن ۱۵ را فراهم کرد.

مهم‌ترین نقاش دویچنتو، جوتو بود که آثارش نقطه عطفی در جدایی از فرم‌های سبک‌پردازی شده سنت ایتالو-بیزانسی ایجاد کرد و واقع‌گرایی بیشتر، بیان عاطفی و حس فضای سه‌بعدی را معرفی نمود.

مدرسه سیه‌نایی نقاشی نیز در این دوره شکوفا شد و به‌طور قابل توجهی مرکز هنری برجسته‌ای در قرن ۱۴ ایتالیا بود. شخصیت‌های کلیدی شامل دوچو، که Maestà او نقطه عطف نقاشی پنل اولیه ایتالیا است؛ سیمونه مارتینی، مشهور به ظرافت گوتیک؛ لیپو ممی؛ و برادران آمبروجو لورنزتی و پیترو لورنزتی بودند که پیچیدگی روایی و آزمایش فضایی در فرسکو را گسترش دادند.

در مجسمه‌سازی، هنرمندان برجسته شامل آرنولفو دی کامبیو و تینو دی کاماینو، هر دو شاگرد جووانی پیزانو، و همچنین بونینو دا کامپیونه بودند.

در اوایل قرن ۱۴، نقاش فلورانسی جوتو اولین هنرمندی پس از دوران باستان بود که طبیعت و فرم انسانی را به‌طور واقع‌گرایانه به تصویر کشید. او فرسکوهای تأثیرگذاری برای کلیساها در آسیزی، فلورانس، پادووا و رم خلق کرد. جوتو سعی داشت شخصیت‌ها را با حضور فیزیکی و بیان احساسی نشان دهد و آن‌ها را در محیط‌های فضایی و طبیعی قرار دهد.

گروهی قابل توجه از هنرمندان رنسانس فلورانس—شامل نقاش مازاتچو، مجسمه‌ساز دوناتلو و معمار فیلیپو برونلسکی—در اوایل قرن ۱۵ ظاهر شدند و پایه‌های رنسانس عالی را گذاشتند.

بهترین اثر مازاتچو مجموعه‌ای از فرسکوها است که حدود ۱۴۲۷ در نمازخانه برانکاچی کلیسای سانتا ماریا دل کارمین در فلورانس نقاشی شده است. این فرسکوها صحنه‌های کتاب مقدس را با واقع‌گرایی دراماتیک و بار احساسی نشان می‌دهند. مازاتچو از اولین کسانی بود که سیستم پرسپکتیو خطی برونلسکی را به کار برد و عمق فضایی واقعی‌تری در نقاشی ایجاد کرد.

دوناتلو با بازگرداندن ایده‌آل‌های کلاسیک فرم انسانی و بیان فردی، مجسمه‌سازی را متحول کرد. آثار او دقت فوق‌العاده‌ای در آناتومی و عمق روان‌شناختی نشان می‌دهند. از جمله مشهورترین آثار او، مجسمه برنزی داوود است که در دهه ۱۴۳۰ تکمیل شد. این مجسمه تقریباً ۵ فوت (۱٫۵ متر) ارتفاع دارد و اولین مجسمه تمام‌قد و مستقل برهنه در هنر غرب از دوران باستان محسوب می‌شود.

برونلسکی اولین معمار بزرگ رنسانس بود که به‌طور نظام‌مند فرم‌ها و اصول معماری روم باستان را احیا کرد. او عناصر کلاسیک مانند طاق‌ها، ستون‌ها و تناسبات هماهنگ را در طراحی‌های خود گنجاند. یکی از برجسته‌ترین دستاوردهای او، Pazzi Chapel در فلورانس است که ساخت آن در ۱۴۴۲ آغاز و حدود ۱۴۶۵ تکمیل شد و وضوح، تعادل و اعتدال کلاسیک را نشان می‌دهد. برونلسکی همچنین پیشگام استفاده از پرسپکتیو خطی شد، روشی ریاضی برای نمایش فضای سه‌بعدی بر روی سطحی صاف.

هنرهای اواخر قرن ۱۵ و اوایل قرن ۱۶ تحت سلطه سه چهره برجسته قرار داشت: لئوناردو داوینچی، میکل‌آنژ و رافائل.

لئوناردو داوینچی دو اثر نمادین هنر رنسانس را خلق کرد: نقاشی دیواری شام آخر و پرتره مونا لیزا. لئوناردو نه تنها به دلیل هنر خود، بلکه به سبب کنجکاوی سیری‌ناپذیر و کاوش‌های علمی‌اش شناخته می‌شد. او با دقت بدن انسان را مطالعه کرده و نقاشی‌های آناتومیکی دقیقی تهیه نمود و هزاران صفحه اسکچ و یادداشت تولید کرد که مشاهدات او از طبیعت، ماشین‌ها و فرم انسانی را ثبت می‌کرد. تعامل فکری عمیق لئوناردو با جهان، او را نمونه کامل انسان رنسانس و نماد روحیه یادگیری و کشف آن دوره ساخت.^[۱۱]

میکل‌آنژ استاد چندین رشته بود: نقاشی، مجسمه‌سازی، معماری و شعر. او به‌طور گسترده به عنوان یکی از بزرگ‌ترین مجسمه‌سازان تاریخ شناخته می‌شود.^[۱۲] مهارت میکل‌آنژ در نمایش بدن انسان در مجسمه‌هایی مانند مجسمه معروف داوود (۱۵۰۱–۱۵۰۴) نمایان است که هم زیبایی جسمانی و هم عمق روانی شدید را منتقل می‌کند. او همچنین سقف نمازخانه سیستین را بین ۱۵۰۸ و ۱۵۱۲ نقاشی کرد، اثری که یکی از برجسته‌ترین شاهکارهای هنر غربی به‌شمار می‌رود. این فرسکوها موضوعات کتاب مقدس و کلاسیک را به تصویر می‌کشند و به دلیل نمایش قدرتمند فرم انسانی و شدت معنوی شناخته شده‌اند.

نقاشی‌های رافائل به خاطر ترکیب‌بندی هماهنگ، خطوط نرم و استفاده ظریف از رنگ شناخته می‌شوند. او استاد پرسپکتیو و تناسبات بود و به‌ویژه برای مادون‌ها و پرتره‌هایش مشهور است. یکی از بزرگ‌ترین آثار او فرسکو مکتب آتن است، تصویری بزرگ از فلاسفه و دانشمندان یونان باستان. این اثر تحسین رافائل از دوران کلاسیک را نشان می‌دهد و عناصر هنر یونان و روم باستان را با فضای فکری رنسانس ترکیب می‌کند.

معمار دوناتو برامانته اغلب به عنوان خالق معماری رنسانس والا شناخته می‌شود. در ۱۴۹۹، او به رم نقل مکان کرد و با طراحی Tempietto (۱۵۰۲)، ساختاری کوچک با گنبد مرکزی که از معماری معابد کلاسیک الهام گرفته بود، کار خود را آغاز کرد. پاپ ژولیوس دوم برامانته را به عنوان معمار پاپ منصوب کرد و با هم طرحی برای جایگزینی کلیسای قدیمی سن پیتر قرن چهارم با یک کلیسای عظیم جدید تدوین کردند. اگرچه دیدگاه برامانته در طول عمرش تکمیل نشد، طراحی‌های او تأثیر عمیقی بر توسعه معماری رنسانس داشت.

تکلف‌گرایی سبکی باشکوه و درباری بود که در مراحل پایانی رنسانس ایتالیا ظهور کرد. این سبک به‌ویژه در فلورانس شکوفا شد، جایی که چهره‌های برجسته‌ای مانند جورجو وازاری و برونتسینو نمایندگان اصلی آن بودند. این سبک بعدها توسط روسو فیورنتینو و فرانچسکو پریماتیچو به دربار فرانسه معرفی شد. نقاش ونیزی تینتورتو نیز تحت تأثیر تکلف‌گرایی قرار گرفت.

رویکرد متمایز تکلف‌گرایی در نقاشی، با شخصیت‌های کشیده، حالت‌های اغراق‌آمیز و ترکیب‌های مصنوعی، سایر شاخه‌های هنر را نیز تحت تأثیر قرار داد. در معماری، جولیو رومانو نمونه برجسته‌ای از تأثیر سبک تکلف‌گرایی است. مجسمه‌ساز ایتالیایی بن‌ونوتو چلینی و هنرمند فلاندری متولد جامبولونیا چهره‌های مرکزی در مجسمه‌سازی تکلف‌گرایی بودند که به دلیل فرم‌های پویا و اغلب اغراق‌شده خود شناخته می‌شوند.^[۱۳]

برخی مورخان تکلف‌گرایی را زوال یا تحریف کلاسیک‌گرایی رنسانس والا می‌دانند، در حالی که برخی دیگر آن را سبک مستقل و کامل می‌دانند. این دوره معمولاً از حدود ۱۵۲۰ تا ۱۶۰۰ در نظر گرفته می‌شود و اغلب به عنوان مرحله‌ای میان رنسانس والا و دوره باروک دیده می‌شود.

ایتالیا شکل خاص خود از امپرسیونیسم را تولید کرد که به جنبش ماکیایولی شناخته می‌شود و پیش از هنرمندان مشهور امپرسیونیست فرانسه ظهور کرد. چهره‌های کلیدی این جنبش شامل جووانی فاتوری، سیلوسرو لگا، تلمکو سیگنورینی و جوزپه آباتی بودند. هنرمندان ماکیایولی به عنوان پیشگامان امپرسیونیسم شناخته می‌شوند، زیرا آن‌ها اهمیت نور و سایه، یا macchie (به معنای تحت‌اللفظی "لکه‌ها") را به عنوان عناصر مرکزی آثارشان برجسته می‌کردند. واژه macchia توسط هنرمندان و منتقدان ایتالیایی قرن نوزدهم برای توصیف کیفیت زنده، طرح‌وار و خودجوش در نقاشی یا طراحی، و همچنین برای نشان دادن تأثیر هماهنگ و گسترده در ترکیب‌بندی استفاده می‌شد.

یک نقد خصمانه منتشر شده در ۳ نوامبر ۱۸۶۲ در نشریه گازتایتا دل پاپولو اولین استفاده ثبت‌شده از واژه ماکیایولی را نشان می‌دهد.^[۱۶] این واژه چند معنا داشت: به‌طور تمسخرآمیز نشان می‌داد که آثار تمام‌شده هنرمندان چیزی جز طرح‌های اولیه نیست و همچنین به عبارت "darsi alla macchia" اشاره داشت که به صورت اصطلاحی به معنی "پنهان شدن در بوته یا زمین‌های خشک" بود. هنرمندان اغلب در چنین محیط‌هایی کار می‌کردند که این ارتباط را تقویت می‌کرد. علاوه بر این، نام این گروه نشان می‌داد که ماکیایولی‌ها قانون‌شکن هستند و دیدگاه سنت‌گرایان را بازتاب می‌داد که معتقد بودند این هنرمندان جدید خارج از قوانین و سنت‌های هنر زمان خود عمل می‌کنند.

فوتوریسم یک جنبش هنری ایتالیایی بود که از ۱۹۰۹ تا حدود ۱۹۱۶ شکوفا شد. این نخستین جنبش هنری بود که در همه عرصه‌های زندگی به دنبال شکستن گذشته بود. فوتوریسم قدرت، سرعت و هیجان دوران ماشین را ستایش می‌کرد. فوتوریست‌ها از نقاشان کوبیست فرانسوی و عکاسی چندبرکسی آموختند تا فرم‌های واقعی را به تصاویر متعدد و قطعات رنگی هم‌پوشان تقسیم کنند. به این ترتیب، آن‌ها می‌خواستند انرژی و سرعت زندگی مدرن را به تصویر بکشند. در ادبیات، فوتوریسم خواستار حذف ساختارهای سنتی جملات و قالب‌های شعری بود.^[۱۸]

فوتوریسم برای نخستین بار در ۲۰ فوریه ۱۹۰۹ اعلام شد، زمانی که روزنامه پاریس فیگارو مانیفستی از شاعر و سردبیر ایتالیایی فیلیپو تومازو مارینتی منتشر کرد. (رجوع کنید به مانیفست فوتوریسم). مارینتی واژه «فوتوریسم» را برای بیان هدف خود در کنار گذاشتن هنر گذشته و ستایش تغییر، اصالت و نوآوری در فرهنگ و جامعه ابداع کرد. مانیفست او فناوری جدید خودرو و زیبایی سرعت، قدرت و حرکت آن را ستایش می‌کرد. با ستایش خشونت و درگیری، مارینتی خواستار نفی گسترده ارزش‌های سنتی و تخریب نهادهای فرهنگی مانند موزه‌ها و کتابخانه‌ها شد. لحن پرشور و تهاجمی مانیفست به‌طور عمدی برای تحریک خشم عمومی و ایجاد بحث و جدل طراحی شده بود.

مانیفست مارینتی گروهی از نقاشان جوان میلان را برانگیخت تا ایده‌های فوتوریستی را در هنرهای تجسمی اعمال کنند. اومبرتو بوچونی، کارلو کارا، لوئیجی روسولو، جاکومو بالا و جینو سورینی در ۱۹۱۰ چندین مانیفست دربارهٔ نقاشی منتشر کردند. همانند مارینتی، آن‌ها اصالت را ستایش و نسبت به سنت‌های هنری ارثی بی‌اعتنایی ابراز کردند.

بوچونی همچنین به مجسمه‌سازی علاقه‌مند شد و در بهار ۱۹۱۲ مانیفستی در این زمینه منتشر کرد. او به عنوان کسی که نظریه‌های خود را به بهترین شکل در دو مجسمه تحقق بخشید شناخته می‌شود: توسعه یک بطری در فضا (۱۹۱۲)، که در آن هم خطوط داخلی و هم خارجی بطری را نشان داد، و شکل‌های منحصر به فرد تداوم در فضا (۱۹۱۳)، که در آن یک انسان به شکل یک فرم واحد نشان داده نمی‌شود بلکه از چندین صفحه تشکیل شده است که فضای حرکت او را نمایش می‌دهند.

اصول فوتوریسم به معماری نیز گسترش یافت. آنتونیو سنت‌الیا در ۱۹۱۴ مانیفستی فوتوریستی دربارهٔ معماری تدوین کرد. نقاشی‌های رؤیایی او از شهرهای مکانیزه و آسمان‌خراش‌های مدرن، پیش‌نمایشی از برخی برنامه‌ریزی‌های معماری خلاقانه قرن بیستم هستند.

بوچونی که بااستعدادترین هنرمند گروه بود،^[۱۹] و سنت‌الیا هر دو در طول خدمت نظامی در ۱۹۱۶ درگذشتند. مرگ بوچونی، همراه با گسترش اعضای گروه و واقعیت‌های تلخ ویرانی ناشی از جنگ جهانی اول، عملاً به پایان فوتوریسم به عنوان یک نیروی مهم تاریخی در هنرهای تجسمی انجامید.

نقاشی فراطبیعی یک جنبش هنری ایتالیایی است که در سال ۱۹۱۷ با آثار کارلو کارا و جورجو د کیریکو در فِرارا شکل گرفت. واژه «فراطبیعی» که توسط د کیریکو خود انتخاب شد، محور اصلی شاعرانه این جنبش است.

ویژگی‌های این جنبش شامل تصاویر رؤیایی است، با شخصیت‌ها و اشیایی که گویی در زمان منجمد شده‌اند. هنرمندان مرتبط با نقاشی فراطبیعی نمایش دنیای قابل مشاهده را از طریق پرسپکتیو سنتی پذیرفته‌اند، اما با چینش غیرعادی شخصیت‌های انسانی که اغلب به صورت مدل‌های بی‌جان ظاهر می‌شوند و اشیایی که در زمینه‌های عجیب و غیرمنطقی قرار گرفته‌اند. این آثار با نورپردازی غیرواقعی، ترکیب رنگی غیرطبیعی و سکون شخصیت‌ها مشخص می‌شوند که حس زمان‌بندی وهم‌آلود و ابدی را ایجاد می‌کنند.

جنبش نوچنتو گروهی از هنرمندان ایتالیایی بود که در سال ۱۹۲۲ در میلان شکل گرفت و خواستار بازگشت به هنر بازنمایی بزرگ ایتالیا در گذشته بود.

اعضای بنیان‌گذار جنبش نوچنتو شامل منتقد مارگاریتا سارفاتی و هفت هنرمند: آنسلمو بوچی، لئوناردو دودرویل، آکیله فونی، جیان امیلیو مالربا، پیِرو ماروسّیگ، اوبالدو اوپی و ماریو سیروونی بودند. تحت رهبری سارفاتی، گروه به دنبال نوآوری در هنر ایتالیا با رد جنبش‌های پیشرو اروپایی و پذیرش سنت‌های هنری ایتالیا بود.

سایر هنرمندان مرتبط با جنبش نوچنتو شامل مجسمه‌سازان مارینو مارینی و آرتورو مارتینی و نقاشان اُتونه روزای، ماسیمو کامپیگلی، کارلو کارا و فلیچه کازوراتی بودند.

فضایی‌گری یک جنبش هنری است که توسط هنرمند ایتالیایی لوسیو فونتانا پایه‌گذاری شد و اصول آن بین سال‌های ۱۹۴۷ تا ۱۹۵۴ در مانیفست‌ها بیان گردید.

این جنبش با ترکیب عناصر هنر انتزاعی، دادا و تاشیسم، نقاشی سنتی روی سه‌پایه را رد کرد و به نوآوری‌های تکنولوژیکی روی آورد، و در پی وارد کردن زمان و حرکت در آثار خود بود. نقاشی‌های بریده و سوراخ شده فونتانا نمونه‌ای از ایده‌های او هستند.

الگو:Culture of Italy

آرته پوورا جنبشی هنری است که در دهه ۱۹۶۰ در ایتالیا شکل گرفت و عناصر هنر مفهومی، مینیمالیستی و اجرایی را ترکیب می‌کند. این جنبش از مواد روزمره و اغلب دورریختنی مانند خاک و روزنامه استفاده می‌کرد تا تجاری‌سازی هنر را به چالش بکشد. واژه "Arte Povera" به معنای تحت‌اللفظی "هنر فقیر" است.

اصطلاح فراآوانگارد توسط منتقد ایتالیایی آکیله بونیتو اولیوا ابداع شد. او هنر فراآوانگارد را سنتی در قالب (عمدتاً نقاشی یا مجسمه‌سازی)، غیرسیاسی و، بالاتر از همه، تلفیقی و چندوجهی تعریف کرد.